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Por Victoria Reale
-¿Por qué eligió retratar el trabajo del pintor Pieter Brueghel?
-Brueghel es casi como si fuera un documentalista del siglo XVI. Y en muchas de sus pinturas, él no te dice dónde mirar, sino que uno tiene que descubrirlo solo. Yo encuentro que esto tiene muchas similitudes con la forma que tengo de filmar en la calle. No tengo un guión o una decisión sobre lo que exactamente voy a hacer. Me mantengo abierto a todas las cosas que van pasando y respondo a ellas mientras van apareciendo.
-¿Qué premisas tuvo en cuenta a la hora de filmar los cuadros y esculturas del museo?
-Filmé las obras de arte de la misma manera en que las miraba, de cerca para poder ver los detalles. No tuve que hacer una gran decisión de cómo tenía que filmarlas porque me aproximé a ellas con la misma manera intima en que me aproximo al arte. Solo quería conectar con la obra de una manera personal.
-¿Por qué decidió que el protagonista fuera el cuidador del museo?
-Elegir al guardián como protagonista fue la decisión perfecta, porque él es parte del museo y también está en el límite entre el museo y los visitantes. De alguna manera, él tiene una posición privilegiada porque mira las obras y a los visitantes todo el día. Es como una puerta entre los dos mundos.
-Usted filma Viena como si cada detalle de la ciudad formara parte de un cuadro. ¿Por qué eligió darle un tratamiento documental a esa parte del filme?
-Es un retrato documental de Viena. El documental para mí siempre está basado en la observación, porque una de sus principales funciones es mirar las cosas de manera cuidadosa. Filmé a Viena de la misma manera en que lo hago en cualquier ciudad. Me gustó recorrerla, mirar lo que sucede, observar las pequeñas cosas de la misma manera que a los grandes eventos.
-¿Por qué eligió a Mary Margaret O'Hara para encarnar a la protagonista?
-Ella es muy especial, es una gran música y también es muy perceptiva. Tiene una manera única de ver el mundo. Así que desde la primera vez que la vi cantar hace 25 años atrás, supe que algún día iba a trabajar con ella. Sabía que seguramente iba a canalizar su potencial mediante perspectivas inusuales, sobre todo si la llevaba a una ciudad donde nunca había estado y le daba libertad.
-Museum hours se sirve de la ficción y del documental para construir el relato.
-Nunca estuve interesado en la división entre ficción y no ficción. Actualmente mucha gente trabaja dentro de este territorio porque es una de las cosas que podemos hacer cuando el proyecto no cuenta con mucho dinero. Es la manera en que filmaban Jean Vigo o Dziga Vertov. Mucha gente creyó en borrar las líneas entre la ficción y la no ficción. Creo que haciéndolo la historia se vuelve más interesante.
-En la película usted propone una discusión sobre el mercado del arte y el valor de las obras. ¿Qué puede decirme sobre eso?
-El mercado del arte se ha convertido en una especie de gran destrucción de lo que el arte debería significar para las personas. Porque el mercado no tiene nada que ver con el arte sino que se basa en un valor arbitrario. Este valor proviene de Wall Street. Creo que en los últimos 25 años el mundo del arte se fue convirtiendo en una especie de juego, en el que la gente piensa el arte solamente por el precio de su venta y asimilan a los artistas como si fueran famosos. Hice la película para insistir en que hay otra forma de conectarse con el arte, donde las personas pueden encontrar en las obras un lenguaje humano que no tiene nada que ver con el dinero.
-Muchos de los artistas que usted muestra en su filme murieron pobres.
-Sí, los artistas más importantes murieron pobres. No sé si Brueghel murió muy pobre pero tampoco era rico. Pero Rembrandt, Van Gogh, y muchos de los artistas que amamos murieron pobres. Usualmente el mundo no reconoce el gran arte en el momento en que se realiza.
-¿Cuál cree que es la función de los museos?
-El rol de los museos es diferente al de las galerías, porque no se exhiben obras que se van a vender, y por eso la gente puede verlas sin tener que pensar en su precio. El museo es un lugar de encuentro, y no debería ser sólo para una élite o para educadores o para ricos. De alguna forma creo que los museos son un lugar muy democrático, donde las personas son invitadas a tener un diálogo con las obras que dejaron los artistas que vivieron miles o cientos de años atrás. Si observamos una pintura, creo que se produce una comunicación entre el artista y nosotros, y podemos apreciar su visión sobre la vida en su tiempo.
Ficha Técnica
Museum hours (2012). Duración 106 minutos. Estados Unidos-Australia.
Reparto: Mary Margaret O'Hara, Bobby Sommer, Ela Piplits
Guión y Dirección: Jem Cohen
Producción Ejecutiva: Guy Picciotto, Patti Smith
Producción: Paolo Calamita, Jem Cohen, Gabriele Kranzelbinder
Fotografía: Jem Cohen, Peter Roehsler
Sonido: Bruno Pisek
Montaje: Jem Cohen, Marc Vives
